10 exposiciones que ver este otoño

Tras el parón estival los museos y centros de arte se vuelven a poner en marcha con nuevas exposiciones, y aquí os dejamos 10 que no os podéis perder:

1. ‘Violencia invisible’. ARTIUM (12 de septiembre, 2014 – 11 de enero, 2015)

Violencia invisible es una coproducción de Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, y el Museum of Contemporary Art de Belgrado. Esta colaboración abarca dos exposiciones distintas pero comisariadas conjuntamente, la primera de las cuales se abrió al público la pasada primavera en Belgrado.
Este proyecto analiza la denominada “violencia invisible” del día a día tal y como se hace manifiesta en la vida cotidiana, doméstica y laboral; la violencia administrativa y burocrática; la violencia visual en la publicidad y los medios de comunicación, a la vez que plantea algunas formas sutiles de sectarismo y animosidad colectiva a partir de circunstancias históricas recientes. Se trata de unas formas de violencia que, sin ninguna duda, son omnipresentes a escala global. Las comparaciones de estos tipos de violencia se estudian reuniendo obras de artistas que polemizan sobre asuntos territoriales, nacionalistas, mitológicos y relacionados con la identidad, sin caer en representaciones dualistas, segmentadas o contrapuestas. El tema de la violencia como eje de una exposición es sensible e incluso provocador por naturaleza, además de generar, algunas veces, definiciones maniqueas del “nosotros y ellos”. Por consiguiente, el objetivo de los comisarios ha sido resistirse a conceder un protagonismo indebido a asuntos como la guerra, el genocidio y la violencia extrema, aunque permitiendo que constituyan el trasfondo latente, no siempre ostensible, del proyecto.

2. ‘Art & language incompleto’. Colección Philippe Méaille. MACBA (19 septiembre, 2014 – 19 de abril, 2015)

Art & Language "77 Sentences", 1974 (detalle). Colección Philippe Méaille.
Art & Language ’77 Sentences’, 1974 (detalle). Colección Philippe Méaille.

La Colección de Philippe Méaille constituye una destacada representación de una de las prácticas más complejas y beligerantes de la segunda mitad del siglo XX. Generalmente asociado con el arte conceptual, Art & Language desafía el vocabulario existente de la Historia del Arte rechazando su afiliación a identidad artística alguna. Desde mediados de los años sesenta, el desarrollo inicial de Art & Language se fundamentó en la asimilación de prácticas críticas y disidentes de acuerdo con una perspectiva de base lingüística, conversacional y discursiva, que continúa hasta hoy. En este sentido, las obras de Art & Language de la Colección Philippe Méaille pueden ser percibidas como una historia contingente del colectivo, y quizá sea esta la forma más adecuada de encapsular una práctica a menudo descrita como “radicalmente incompleta, radicalmente poco concluyente”. La minuciosa recopilación que hace Méaille de obras tempranas de Art & Language nos permite acceder a un periodo fascinante en el que la filosofía analítica, la filosofía del lenguaje y el conocimiento científico aportan las herramientas para desmantelar la noción de arte y de objeto de arte.
La exposición presenta una extensa selección de piezas de Art & Language pertenecientes a la Colección Philippe Méaille, y se acompañará de una publicación con ensayos de Carlos Guerra y Matthew Jesse Jackson, y una entrevista con Michael Baldwin, Mel Ramsden y Philippe Méaille.

3. ‘El arte de nuestro tiempo’. Museo Guggenheim de Bilbao (23 de septiembre, 2014 – 3 de mayo, 2015)

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Marc Chagall. ‘París a través de la ventana’ (Paris par la fenêtre), 1913. Óleo sobre lienzo 136 × 141,9 cm Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, Donación 37.438

Coincidiendo con el fin del primer período del Acuerdo de Gestión con la Solomon R. Guggenheim Foundation, el Museo Guggenheim Bilbao presenta una gran exposición de la Colección Permanente, que ocupará todo su espacio expositivo con obras maestras de los Museos de la Red Guggenheim. El arte de nuestro tiempo recorre los principales movimientos artísticos del siglo xx e incluye espacios monográficos dedicados a importantes artistas de la Colección Propia, como Jorge Oteiza y Eduardo Chillida, así como instalaciones contemporáneas del museo neoyorquino. Se cierra así este primer período de colaboración con la Fundación Guggenheim con una muestra paralela a la celebrada en 1997 para la inauguración del Museo que evidencia el desarrollo de las Colecciones Guggenheim en estos años e incluye los cimientos más importantes de las mismas.

4. ‘Reinterpretada I’ de Enrique Marty. Museo Lázaro Galdiano (26 de septiembre, 214 – 5 de enero, 2015)

Izq. | ENRIQUE MARTY: Escena exterior revelada 3. Inspirado en “Étant Donnés” de Duchamp. Técnica mixta, 2014. © Enrique Marty Der. | ENRIQUE MARTY: Escena exterior revelada 1. Inspirado en “Étant Donnés” de Duchamp. Técnica mixta, 2014.© Enrique Marty
Izq. | Enrique Marty: ‘Escena exterior revelada 3’. Inspirado en ‘Étant Donnés’ de Duchamp. Técnica mixta, 2014. © Enrique Marty
Der. | Enrique Marty: ‘Escena exterior revelada 1’. Inspirado en ‘Étant Donnés’ de Duchamp. Técnica mixta, 2014.© Enrique Marty.

Rafael Doctor comisaría un nuevo proyecto experimental en el Museo Lázaro Galdiano, estableciendo una serie de diálogos entre artistas contemporáneos españoles y las obras de la Colección Lázaro, reactualizando así sus contenidos. Con Reinterpretada 1 abrimos estos diálogos de la mano de Enrique Marty (Salamanca, 1969), uno de los artistas más reconocidos del arte español reciente.
El artista y el comisario han planteado un proyecto diferente, optando por sacar el arte a la calle en 16 cuadros de gran formato que se exhibirán en los lienzos de la valla que rodea nuestra institución en la confluencia de las calles Serrano y María de Molina. Así, el aspecto exterior del Museo se transformará radicalmente y cualquier viandante se convertirá en espectador casual de este trabajo. Las pinturas son reinterpretaciones de obras pertenecientes a la Colección Lázaro: obras de Goya, Madrazo o El Bosco, entre otros, han sido el punto de partida de estas nuevas composiciones.

5. Maurizio Cattelan. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (3 de octubre, 2014 – 4 de enero, 2015)

Imagen de la exposición De Maurizio Cattelan en el CAC Málaga. 2014
Imagen de la exposición de Maurizio Cattelan en el CAC Málaga. 2014

El CAC Málaga presenta la primera exposición individual en España de Maurizio Cattelan con obras pertenecientes a colección de la Fondazione Sandretto Re RebaudengoLa exposición comisariada por Fernando Francés es una selección de ocho piezas que repasan desde sus inicios hasta la primera década del siglo XXI. Maurizio Cattelan es uno de los artistas italianos contemporáneos más importantes de la actualidad. En su obra destaca el uso de una amplia variedad de materiales, como son el neón, residuos y escombros, poliuretano, resina, fotografía e incluso animales disecados. El artista emplea la ironía para poner énfasis en los problemas sociales y políticos de su país, además de criticar el post capitalismo y el entorno en el que se desenvuelve la actividad artística contemporánea. En la actualidad es cofundador de la revista visual Toilet Paper Magazine. El artista vive y trabaja en Nueva York. En esta exposición colabora la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.
En el trabajo de Maurizio Cattelan el espectador se cuestiona el porqué de la risa y del humor que trasciende en sus obras. En sus planteamientos afronta dilemas profundos sobre el arte, hace una crítica social y política de su país y también tiene pinceladas autobiográficas. Cronológicamente, la exposición arranca con una fotografía de la ‘performance’ histórica Cesena 47 – A.C. Forniture Sud 12 (1991), que tuvo lugar en la Galería de Arte Moderno de Bolonia y en la que organiza un partido de fútbol entre dos equipos, uno de ellos compuesto únicamente por jugadores norteafricanos. De esta manera, Cattelan emplea este deporte, muy popular en el país transalpino, para poner el foco en los conflictos xenófobos que en aquel momento existían en Italia. El racismo, como fuente de conflictos, pero otros asuntos como la mafia, también se recogen en su trabajo. La obra Lullaby (1994), realizada con escombros y basuras recogidos del atentado de la mafia que afectó al Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán en 1993, saca a la luz uno de los problemas más graves de Italia y le da visibilidad a estos hechos.

 6. ‘Hiperrealismo 1967-2013’. Museo de Bellas Artes de Bilbao (7 de octubre, 2014 – 1 de enero, 2015)

Don Eddy (Long Beach, California, 1944) Sín título (4VWs), 1971 Pintura acrílica sobre lienzo. 167 x 241 cm F. Javier Elorza
Don Eddy (Long Beach, California, 1944)
Sín título (4VWs), 1971
Pintura acrílica sobre lienzo. 167 x 241 cm
F. Javier Elorza.

Esta exposición constituye la primera gran retrospectiva europea del Movimiento Hiperrealista y reúne 68 obras procedentes de diversas colecciones realizadas por los miembros más representativos de este estilo pictórico, desde sus inicios en Estados Unidos a mediados de la década de los años sesenta hasta su posterior desarrollo internacional, que llega hasta nuestros días. Se exhiben pinturas de 34 artistas a partir de la primera generación de maestros norteamericanos –John Baeder, Tom Blackwell, Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes o Ralph Goings, entre otros– hasta diversos pintores actuales. Cerca de cincuenta años tras su aparición, el Hiperrealismo continúa vigente en nuestros días y siguen aún en activo muchos de los pintores que dieron inicio al movimiento. A ellos se han ido sumando artistas de diversas generaciones que han dado a este estilo carácter internacional.
A mediados de los años sesenta surgió en Estados Unidos un grupo de artistas, que utilizando la fotografía como base, pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana contemporánea. Formaron el Movimiento Hiperrealista, que en el mundo anglosajón se conoce con el término photorealism. El movimiento establecía que eran “fotorrealistas” aquellos artistas que abiertamente empleaban la cámara fotográfica como herramienta esencial para ejecutar sus pinturas. Trasladaban la imagen al lienzo lo más objetivamente posible y con una ejecución tan minuciosa que producía en el espectador una sorprendente ilusión de realidad, privada de cualquier emoción.

7. ‘Depero futurista (1913-1950)’. Fundación Juan March (10 octubre, 2014 – 18 de enero, 2015)

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Fortunato Depero, ‘I Miei Balli Plastici’ (Mis bailes plásticos), 1918. Colección particular, Suiza.

La Fundación Juan March presenta la exposición Depero futurista (1913-1950), dedicada a la obra y la figura de Fortunato Depero (Fondo, provincia de Trento, 1892-Rovereto, 1960) a través de las cuales quiere plantear una visión renovada de la que ha sido llamada “la Vanguardia de las vanguardias”: el Futurismo italiano.
El movimiento plástico y literario cuyo pistoletazo de salida fuera el manifiesto publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en el periódico parisino Le Figaro ha pasado a la historia por la radicalidad de sus propuestas: abolir todo enfoque tradicional del arte del pasado (considerado puro ‘passatismo’), glorificar el dinamismo, la máquina, la velocidad y la guerra, liberar a las palabras de la gramática y multiplicar los puntos de vista para expresar la interacción dinámica de la materia con el espacio circundante. Los efervescentes años fundacionales del movimiento, entre 1909 y 1915, supusieron, efectivamente, una novedosa y dinámica contribución a la plástica y la literatura europeas, marcada finalmente por la Primera Guerra Mundial, que supuso una cesura por la entrada en combate de muchos futuristas y la muerte de Umberto Boccioni, entre otros.

8. ‘República’. Juan Luis Moraza. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (14 de octubre, 2014 – 2 de marzo, 2015)

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La antológica que Juan Luis Moraza (Vitoria 1960) presenta en el Museo Reina Sofía bajo el título república, reúne una selección de sus obras desde 1974 a 2014 estructuradas en diferentes situaciones que ‘interrogan’ al Museo como sistema de convenciones y de reglas. Lo que se va a contemplar es la república de Juan Luis Moraza. Para ello, utiliza puntos de vista complejos y metodologías que van desde la escultura al vídeo a través de diferentes series con un acento en la interacción con el público. Se trata de un hipotético museo dentro del museo, ya que reflexiona sobre el propio espacio expositivo y la materialización de las ideas. El artista toma referencias donde confluyen ciertas teorías políticas, así como antropológicas, estéticas y psicoanalíticas.
Esta exposición supone un reto para la interpretación que de ella haga el espectador. La pasividad de éste va a ser permanentemente cuestionada, siendo invitado a participar en el “Museo republicano de un artista”, en la república de Moraza; museo como espacio de transformación en el que se invita al visitante a la participación.

9. ‘Impresionismo americano’. Museo Thyssen-Bornemisza (4 de noviembre, 2014 – 1 de febrero, 2015)

William Merritt Chase El quimono c. 1895 Óleo sobre lienzo. 89,5 x 115 cm
William Merritt Chase ‘El quimono’, c. 1895. Óleo sobre lienzo.

Esta exposición es la primera ocasión de poder contemplar en España una muestra dedicada a la expansión del Impresionismo en Norteamérica. Impresionismo americano rastrea, a través de unas ochenta pinturas, el modo en que los artistas norteamericanos – Mary Cassatt, William Merritt Chase, Childe Hassam, John Singer Sargent o Theodore Robinson, entre otros-, comenzaron a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los efectos fugaces propios de este movimiento a raíz del contacto directo con él en Francia o a partir de la exposición de Impresionismo francés organizada por el marchante Paul Durand-Ruel en Nueva York en 1886; muchos de ellos decidieron incluso viajar a París para conocer el Impresionismo de primera mano. La exposición se ocupa también de la interpretación propia de este estilo que los artistas norteamericanos desarrollaron hacia 1900.

10. ‘Goya en Madrid’. Museo Nacional de El Prado (28 de noviembre, 2014 – 3 de mayo, 2015)

Francisco De Goya. La maja desnuda (1795-1800). Museo Nacional de El Prado
Francisco De Goya. ‘La maja desnuda’ (1795-1800). Museo Nacional de El Prado.

La colección de obras y documentos de Francisco de Goya que conserva el Museo del Prado le convierten en el principal lugar de referencia para estudiar al artista, tanto por la cantidad como por la importancia del conjunto. Con más de 1.000 obras de arte, entre pinturas, dibujos y estampas, el Museo guarda más de la mitad de la producción de Goya y buena parte de sus obras más emblemáticas. A esto hay que sumarle un importante grupo de documentos, entre los que destacan las 118 cartas escritas a su amigo Martín Zapater, impagable testimonio para comprender la personalidad de Goya.

Publicada en: http://papeldeperiodico.com/2014/10/21/10-exposiciones-que-ver-este-otono/

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